Fabio Antenore - Maestro del tiempo

La tecnología y la creatividad siempre han desempeñado un papel importante en la vida profesional del suizo Fabio Antenore. En su anterior trabajo como ingeniero de sonido y productor musical, sin embargo, se trataba sobre todo de captar y materializar de la mejor manera posible las ideas creativas de otros creativos.

Tras un agotamiento, Antenore decidió centrarse en su propia creatividad y en su pasión por la fotografía. "En aquella época salía mucho y quería captar lo que la naturaleza me ofrecía. Los paisajes no te exigen nada. Eso me ayudó a encontrarme a mí mismo", recuerda Antenore. Desde el principio, su objetivo no fue documentar la belleza de la naturaleza de forma sobria. En lugar de eso, Antenore quería crear obras de arte que representaran la naturaleza de la forma más bella posible. Con el tiempo, Antenore desarrolló su estilo, que ahora denomina "fotografía hiperrealista". Su objetivo no es ser fiel a la realidad, sino maximizar la emoción y la perfección. Aunque durante muchos años se centró en los paisajes, en los últimos también ha fotografiado cada vez más paisajes urbanos. Antenore ha publicado recientemente un libro electrónico sobre "Fotografía de paisajes urbanos" en su página web, en el que revela sus mejores consejos y trucos.

¿Cuánta realidad hay en la hiperrealidad de Antenore?

Las imágenes de Antenore probablemente se describan mejor como "espectaculares". Son coloridas, ricas en detalles, técnicamente brillantes y a menudo cautivan con situaciones de iluminación que raramente se encuentran en la realidad. Si se observan sus imágenes superficialmente, se puede pensar que están generadas por inteligencia artificial o que son composiciones de muchas imágenes diferentes. La sospecha de la composición apunta en la dirección correcta, pero de un modo distinto al que se podría pensar. Hay varias razones que explican el efecto "hiperrealista" de sus imágenes. La más decisiva es probablemente el hecho de que el eje temporal, o más exactamente, el momento de la captura, desempeña un papel muy especial en la creación de las imágenes. Antenore sigue una norma autoimpuesta de veracidad en su fotografía: las condiciones del lugar son fijas. Todo lo que se ve en la imagen fue fotografiado por él in situ. Sólo el eje temporal es variable. Esto significa que los elementos individuales de la imagen fueron fotografiados a diferentes horas del día y luego combinados en postproducción y dotados de un ambiente lumínico adecuado; una técnica conocida como resplandor temporal.

Recogiendo piezas del puzzle

Esta es también la razón por la que las fotos de Antenore suelen tardar mucho tiempo en crearse y por la que a menudo permanece detrás de su trípode durante muchas horas, tomando numerosas fotos idénticas a diferentes horas del día. El resultado son fotos al sol, en las horas doradas y azules y con estrellas o incluso la Vía Láctea. A continuación, Antenore "ensambla" la imagen acabada en postproducción uniendo zonas individuales de la imagen como piezas de un rompecabezas a partir de diferentes versiones de la misma imagen. Después, sus imágenes no son realistas. Pero difieren radicalmente de las imágenes de IA o de las composiciones en las que se han juntado elementos de una gran variedad de localizaciones. 

Antenore sigue mostrando el lugar fotografiado. Sólo que no como una situación real, captada en un breve instante, sino como un "best-of" idealizado.

Cuando se le pregunta por los factores de éxito de sus imágenes, Antenore responde: "Un 30% de planificación detallada, un 30% de tecnología avanzada de rodaje en exteriores y un 30% de posproducción en el monitor. El resto es suerte".

Búsqueda y preparación de las localizaciones

Antenore tiene una lista exhaustiva de lugares que quiere fotografiar algún día, y los va recorriendo uno a uno. Ya ha recopilado más de 1.000 lugares en GoogleMaps, junto con abundante información relacionada con la fotografía. Con la ayuda de herramientas como Photo Pills o Google Earth, busca información adicional para planificar la sesión en el lugar. La posición del sol, la luna y la Vía Láctea pueden planificarse de antemano para determinar el momento ideal para viajar. «Por cierto, esta parte es la menos divertida para mí», admite Antenore, “pero es muy importante para poder materializar mis ideas en el lugar”.

La GFX 100 tiene un enorme rango de contraste. No obstante, se utilizan filtros graduados en motivos críticos para reducir los contrastes en la imagen y evitar que las altas luces se "quemen" y las sombras se "ahoguen". También utiliza filtros ND grises para conseguir velocidades de obturación lentas durante el día. En otras situaciones, Antenore crea series de exposición. En general, su método de trabajo podría resumirse como una gigantesca serie de exposiciones. Durante muchas horas, crea numerosas variaciones de la misma foto en diferentes condiciones de iluminación. La imagen real se crea en el siguiente paso: la posproducción.

La imagen se crea en la posproducción

Tras el rodaje, Antenore regresa a su cuarto oscuro digital, donde le espera su ColorEdge CG2700X. La tarea aquí es ver las imágenes y encontrar un estado de ánimo básico en el que se pueda basar la imagen acabada. A continuación, Antenore añade gradualmente elementos individuales de otras imágenes, por ejemplo para resaltar las sombras o las luces o para complementar el cielo nocturno con la Vía Láctea, que puede haber sido tomada horas después de la exposición básica. "Al final, tengo que armonizar las numerosas piezas del rompecabezas de tal manera que cree un ambiente lumínico general plausible y armonioso y, por tanto, una imagen hiperrealista", dice Antenore, explicando el mayor reto de su método de trabajo. Dependiendo del número de exposiciones individuales utilizadas, las fotos de Antenore requieren una media de 2-3 horas de procesamiento de imágenes. Sin embargo, los motivos complejos pueden llevarle a veces toda una jornada de trabajo. Antenore ha publicado recientemente un panel de Photoshop en su página web, que puede utilizarse para simplificar considerablemente muchos de sus complejos pasos de edición.

El ColorEdge CG2700X, el monitor de Antenore, desempeña aquí un papel fundamental. "Mis imágenes son hiperrealistas, pero cuando se trata del monitor, prefiero una visualización absolutamente precisa y realista", explica Antenore. "Quiero que el monitor me muestre mi archivo exactamente. Y tal como se ve actualmente. Ni más colorido, ni más rico en contraste, ni más nítido de lo que es en realidad". Sin embargo, lo que parece tan obvio es más bien una especialidad, como explica Antenore: "En mi MacBook, la visualización de la imagen también es algo hiperrealista. Demasiado colorida, demasiado contrastada, demasiado nítida. Puede parecer bonito, pero no es lo que necesito cuando edito imágenes. Luego está la pantalla brillante, que a menudo me resulta molesta"

Además de la visualización absolutamente precisa de la imagen, Antenore aprecia la nitidez de imagen del monitor 4K, la perfecta homogeneidad en toda la superficie de visualización y el sensor de calibración integrado. "El CG2700X me da la certeza absoluta de que siempre puedo confiar al cien por cien en la precisión de la visualización de la imagen. Así que puedo confiar en mis ojos. He programado mi monitor para que se calibre a sí mismo a intervalos regulares, de modo que no tengo que hacerlo yo y no puedo olvidarme de hacerlo", explica Antenore y continúa: "Así puedo utilizar el tiempo que estoy sentado delante del ordenador para postproducir mis imágenes y planificar nuevos rodajes y no tengo que malgastarlo en tareas de mantenimiento de mi infraestructura."

Sin embargo, como creativo de mentalidad técnica, Antenore no se limita a crear imágenes con la ayuda de cámaras. También lleva años trabajando con inteligencia artificial generativa (IA). «Todavía estoy en fase de aprendizaje. Pero es fascinante poder crear desde cero obras de arte visual que surgen por completo de mi propia imaginación y creatividad», explica Antenore.

La creatividad propia en imágenes generadas artificialmente por un ordenador puede sonar contradictoria al principio, pero si se observa más de cerca, los paralelismos con la fotografía se hacen evidentes: el fotógrafo se encuentra con una situación que luego hace suya utilizando sus posibilidades creativas, por ejemplo, eligiendo el punto de vista, la sección de la imagen, el tiempo de exposición y la apertura, y creando así su propia imagen. Incluso con las imágenes generadas por la IA, ésta crea primero una imagen a partir del briefing, los llamados "prompts", que puede mostrar la situación deseada, pero que probablemente no se corresponde directamente con las ideas del creativo. A continuación, es necesario modificar los prompts o cambiar el resultado mediante la llamada técnica de "prompt en cadena" hasta que se ajuste a los deseos del usuario. A continuación, Antenore suele combinar el resultado con su flujo de trabajo convencional de edición de imágenes y edita y modifica las imágenes hasta que la obra terminada cumple sus expectativas.

A la pregunta de si los fotógrafos no están serrando la rama en la que están sentados, Antenore responde: "La IA está aquí, cada vez está más extendida, es cada vez mejor y más fácil de usar al mismo tiempo. No va a desaparecer. Y en este contexto, IA no sólo significa IA generativa, que utilizo para crear imágenes de la nada. La IA también puede utilizarse para acelerar y simplificar numerosos pasos del procesamiento de imágenes. Veo claramente en la IA una gran oportunidad. Pero, por supuesto, hay ámbitos de la fotografía en los que la IA generativa nos complicará la vida. Aquí es donde veo la fotografía de microstock, por ejemplo. Las agencias están siendo inundadas con imágenes de IA, pero tan pronto como los compradores de las imágenes entiendan cómo pueden generar imágenes de IA ellos mismos, el aire aquí podría volverse mucho más delgado. 

Pero como creativo, no puedo sentarme y no hacer frente a los nuevos desarrollos. Más bien saco la conclusión de que tengo que profundizar en los temas y aprovechar las oportunidades que ofrecen las nuevas tecnologías, en lugar de paralizarme por los riesgos potenciales. Al fin y al cabo, nadie puede quitarme lo que me define como artista humano, mi creatividad, mi visión y mis habilidades. Y al final, no importa qué herramientas utilice para crear imágenes. Y aquí es donde se cierra el círculo con respecto a los monitores: aquí tampoco importa si los archivos de imagen se fotografiaron o se impulsaron. El requisito para el monitor sigue siendo siempre el mismo: garantizar una visión absolutamente precisa del archivo de imagen. Y eso es lo que hace mi EIZO"